Artes

Trabajar con Grotowski sobre las acciones físicas es un fascinante testimonio de casi una década de trabajo de una de las figuras centrales del teatro del siglo xx. Thomas Richards, el colaborador más cercano al director teatral, nos ofrece un panorama convincente y exhaustivo de un aspecto fundamental en el último periodo de las investigaciones de Grotowski, desde un punto de vista privilegiado. Richards describe con claridad y pasión su proceso de aprendizaje con el gran director, quien colabora en el libro con un prefacio y un ensayo que constituye un verdadero texto de referencia: «De la compañía teatral al arte como vehículo». «El eje del presente texto es un método, o mejor dicho una práctica, que devino central en la fase final del trabajo de Stanislavski, y que más tarde fue desarrollada por Grotowski: las acciones físicas», afirma Richards. Desde la publicación en 1968 de Hacia un teatro pobre de Jerzy Grotowski, el trabajo de este influyente hombre de teatro no se había explorado de forma tan precisa. Trabajar con Grotowski sobre las acciones físicas, que se publica ahora por primera vez en castellano, es una lectura compulsiva e inspiradora para cualquier estudiante de interpretación, y para todos los que estén interesados en la historia del teatro contemporáneo.

Breve manual del monólogo de humor da consejos prácticos a aquellos que se dedican al arte de lo que en el mundo anglosajón se conoce como stand up comedy. John Vorhaus trasmite a profesionales y aspirantes todo su conocimiento sobre esta disciplina, que consiste en plantarse delante de un micrófono en un escenario vacío y entretener durante un rato al público, no con una sucesión de chistes como los antiguos cómicos, sino con un relato coherente en el que se combina la experiencia personal con una visión crítica (muchas veces cínica) del mundo, todo con grandes dosis de humor, que es, en realidad, el ingrediente principal. Desde aspectos puramente técnicos a cuestiones más íntimas que afectan a la actitud del humorista, Vorhaus va tocando asuntos como los sentimientos heridos (los del humorista y los del público), los filtros del humor (una interesante técnica para aplicar la visión personal de la vida a los textos) y la importancia de la conciencia de uno mismo. Ofrece consejos para no temer los malos resultados, superar el bloqueo de ideas, enfrentarse a la corrección política y valorar la importancia de los cinco primeros minutos de una actuación. El propósito principal de esta guía es que cada humorista preste atención a su propia voz, la busque y la desarrolle.

Durante casi veinte años Konstantín Stanislavski redactó, con innumerables correcciones, el libro que habría de explicar con lenguaje claro y sencillo el sistema de entrenamiento que empleaba con sus actores y consigo mismo. Debía recoger tanto la preparación emocional e intelectual como la preparación física y vocal, que en la práctica están unidas, pero que metodológicamente convenía separar. Así nació El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la vivencia, volumen publicado en 1937 sobre la preparación interna del actor cuya edición fue revisada por el autor. Debido a la muerte de Stanislavski en 1938 la segunda parte quedó sin publicar hasta el 1951, año en que vio la luz El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación. En este volumen, complemento indispensable del primero, se expone con precisión el trabajo que el actor debe emprender sobre aspectos tan importantes como la plástica, la expresión corporal, el habla estética o el tempo-ritmo, entre otros. Ambos volúmenes forman una obra de extraordinaria utilidad para actores y directores y son materia imprescindible para cualquier interesado en el teatro, como lo prueba la enorme influencia que el llamado Método ha tenido en compañías y escuelas de las más diversas tendencias.

Este libro constituye una utilísima herramienta para desarrollar personajes brillantes y distintos, pues ellos son el centro de cualquier historia. Cuando se empieza a concebir un personaje, dice el autor, uno se da cuenta de hasta qué punto toda la narración es un reflejo de la propia vida, un paso en la búsqueda de respuestas a las preguntas esenciales. Para que parezca vivo hay que entender sus deseos, pero también sus frustraciones, secretos y debilidades, en definitiva, sus contradicciones. Se evitará así que actúe como mero instrumento de la trama y que carezca de la complejidad de las personas reales. En El arte de crear personajes. En narrativa, cine y televisión, David Corbett examina también los distintos papeles que puede desempeñar un personaje en una historia, de protagonista a antagonista, prestando especial atención a aspectos técnicos —escenas, puntos de vista, voces, diálogos— de interés tanto para el profesional como para el aficionado.

El libro que va a cambiar para simpre tu manera de decorar, habitar y disfrutar tu hogar. Rompé con las fórmulas tradicionales de decoración, descubrí tu estilo y aprendé a serle fiel creando una estrategia personal para tu casa. Conquistá tu casa te sorprenderá con una valiosa enseñanza: diseñar un hogar acorde a tus gustos y necesidades requiere una gran dosis de autoconocimiento. Siguiendo la estructura de un juego, María Tórtora te presenta en esta nueva edición de Conquistá tu casa nueve misiones y mini misiones especiales para descubrir tu estilo personal y aplicarlo en tu casa, más de 80 fotos a todo color de espacios y situaciones inspiradoras, y un montón de ideas para disfrutar más del hogar todos los días.

En la introducción a esta edición, que respeta la forma en que el libro se publicó originalmente, Valeriano Bozal nos propone fijar la atención en el magnífico intento de Hauser por comprender el presente a través de la investigación histórica. Algunas de las hipótesis propuestas pueden prender en el lector, al punto de imponerse a su juicio por la lógica y la brillantez, por la convicción, por la capacidad de sugerir y evocar más que por la verificación, por su forma de vincular grandes acontecimientos, obras y autores muy concretos en el marco socioeconómico de su tiempo, por su capacidad de generalización y por su compromiso con la exigencia de mantener la relación entre la literatura y las artes plásticas.

¿Hay alguien que no conozca y ame a Les Luthiers? No lo creemos, pero por si acaso: Les Luthiers son un grupo humorístico argentino cuya obra gira en torno a la música o que, como afirman en su propio juego de palabras, «unen canto con humor». La genialidad de sus composiciones de todo tipo (desde rock hasta música de cámara -«de cámara lenta»-) se ve realzada por el hecho de que muchos de los instrumentos (informales) que utilizan han sido concebidos y construidos por ellos mismos (de ahí lo de luthiers). Algunas de sus mejores piezas lo son no solo por la composición en sí, sino además por sus legendarias presentaciones («Falta la primera hoja», «Las majas del Bergantín» o «Himnovaciones»), sus inolvidables personajes (don Rodrigo Díaz de Carreras, Warren Sánchez, el maestro Mangiacaprini, Oblongo N'gue o Daniel el seductor) y, en especial, el cuidado y el mimo con el que se trata la vida, la obra y el modo de componer, entre otros géneros compositivos, óperas (un verdadero modus operandi) del inmortal compositor Johann Sebastian Mastropiero. Con cariño, admiración y mucha gracia, Daniel Samper y Álex Grijelmo cuentan una historia que conecta con millones de espectadores que han reído en español (y a veces en inglés). Recopilan un buen puñado de anécdotas y fotos, relatan la evolución del conjunto y revelan sus métodos de trabajo y los secretos de sus espectáculos por medio mundo. Por el camino recogen «muchas gracias de nada», rememoran sus momentos «más tropiero que nunca» y cubren su trayectoria hasta que por fin fueron «grandes-hitos». Y esto es. ¿Todo? Todo esto es. ¿Qué es esto? Ah, sí: ¡esto es todo!

Este libro presenta -de manera fidedigna o bajo ficción - momentos claves en la vida de veintidós talentosos músicos, que marcaron su opción por la música. «Marcelo Comparini y Rosario Montiel, con las extraordinarias ilustraciones de Olea como imprescindible complemento, han aterrizado las grandes historias de músicos que amamos, en momentos que pudieron ser ínfimos, pero que ayudaron a definirlos, a convertirlos en las figuras que despertaron la idolatria de millones a través del mundo. Con algo de imaginación y con un lenguaje al alcance de cualquiera, estas anécdotas permiten entender de dónde vino el impulso que los convirtió en lo que son o lo que fueron.»

La historia del arte en los comienzos de nuestro joven país, hasta el regreso de Juan Manuel Blanes. Después de haber escrito sobre los comienzos de la fotografía en Uruguay y los artistas viajeros que visitaron el Río de la Plata, Juan Antonio Varese continuó la investigación sobre la trayectoria de los primeros pintores llegados al país, y la particular difusión de sus obras entre nosotros. Mientras registraba la actividad de los daguerrotipistas y fotógrafos, quedó sorprendido por la cantidad y la variedad de los avisos y artículos periodísticos que aparecían en la prensa. Se trataba de pintores y profesores de dibujo procedentes de Europa —especialmente de Francia e Italia—, que llegaban dispuestos a radicarse temporal o definitivamente en el joven país, promocionando sus virtudes como retratistas con anuncios pintorescos y creativos, «asegurando la perfecta semejanza con el original». En estas páginas los lectores encontrarán un panorama apasionante sobre las vidas de estos artistas, muchos de los cuales cumplieron ciclos regionales para terminar regresando años después a sus lugares de origen, mientras que unos pocos formaron familias y se radicaron en el país. Al mismo tiempo, descubrirán datos e historias sobre los primeros artistas nacionales, que bien podrían ser llamados precursores, hasta el año 1865, momento doblemente emblemático, ya que la fotografía suplanta definitivamente al daguerrotipo y la pintura recibe a Juan Manuel Blanes de regreso de su viaje de estudios en Italia. Con lo que podemos decir que comienza una nueva etapa en la historia de la pintura nacional.

Un revelador estudio sobre el arte japones y su influencia en el nacimiento de la arquitectura contemporánea. En 1912 el arquitecto Frank Lloyd Wright (1867-1959) publicó en Chicago este breve ensayo. Para entonces ya era un prestigioso arquitecto y sus viajes, primero por Japón y después por Europa, fueron dejando un importante poso en su obra. En concreto, la cultura nipona le mostró una vía para desarrollar la relación entre la arquitectura, la geometría y la naturaleza. En pleno proceso de descubrimiento de los valores estéticos de este arte y dentro del influyente movimiento del Japonismo, esta obra muestra el interés de Wright por el grabado popular japonés, en especial por los grandes paisajistas Katsushika Hokusai (1760-1849) y And Hiroshige (1797-1858). Pero Wright no fue únicamente un aficionado a estas creaciones, sino también un verdadero estudioso y un sagaz vendedor profesional, importando más de veinte mil obras para los principales museos y coleccionistas de Estados Unidos. Este contacto tan directo con la estampa japonesa influyó decisivamente en el nacimiento de la arquitectura orgánica, como se desprende de ciertas ideas expresadas en este breve ensayo. Algunas de sus creaciones más famosas, como La casa de la cascada (1936), ejemplifican bien las lecciones aprendidas de Japón. Frank Lloyd Wright vivió rodeado de estampas japonesas desde su juventud hasta su muerte, en 1959, ya consagrado como uno de los grandes genios de la arquitectura moderna.

Peter Brook, una de las figuras más relevantes e innovadoras del teatro occidental, pasa revista en este volumen a cuarenta años de su trabajo en el teatro, la ópera y el cine; desde sus primeros montajes en los años cuarenta hasta su memorable versión del Mahabharata. Entre sus muchos éxitos están las producciones de diversas obras de Shakespeare, como El Rey Lear o Sueño de una noche de verano, sus experiencias con el «teatro de la crueldad», que culminaron con Marat/Sade y sus películas en especial El señor de las moscas. En 1970, Brook abandonó la Royal Shakespeare Company para fundar una compañía en París y profundizar en la investigación teatral. Esta iniciativa tuvo como resultado diversas experiencias en Oriente Medio, Asia y África, así como la reelaboración bajo un nuevo prisma de algunas piezas clásicas como El jardín de los cerezos. En este texto, Brook comparte con el lector sus descubrimientos y sus problemas, haciéndole partícipe de una visión íntima y enriquecedora de algunos de los mayores acontecimientos teatrales del último medio siglo.

La elaboración de un buen relato o novela exige que el autor domine los recursos técnicos que permiten dar tensión, consistencia y calidad literaria la narración. Esta guía, a través de numerosos ejemplos comentados, desvela las claves para: Seleccionar los elementos más adecuados para construir una escena. Caracterizar a los personajes. Manejar el tiempo en el relato. Adaptar el ritmo narrativo a las necesidades de la ficción. Estimular la curiosidad del lector.

Este libro reúne consejos y advertencias para los actores y actrices que piensan orientar su carrera hacia el teatro musical y, en este empeño, tendrán que pasar una y otra vez por las temidas "audiciones". Esta práctica recurrente e ineludible es siempre un momento de enorme tensión que pone a prueba la preparación y el temple de los aspirantes. Cómo prepararse para una audición de teatro musical propone recomendaciones sobre la elección de las canciones, los textos, la forma de presentarse, etcetera, que son válidos para cualquier actor o actriz. Hace además un repaso a la historia del musical en sus distintas epocas y de los autores más importantes y sus características particulares para que los aspirantes puedan presentarse a las pruebas con el mayor bagaje posible de cultura y documentación.

Aún luchando por conseguir el merecido reconocimiento artístico y no quedar oculta bajo la labor del director teatral, la escenografía es una de las disciplinas teatrales más decisivas y, por supuesto, «mucho más que una pintura de fondo con la que enmarcar a los intérpretes». Pamela Howard, que ha trabajado en más de 200 montajes en el Reino Unido y todo el mundo, explica en este libro las claves de la creación de un espacio escénico: el juego con el espacio, las pistas visuales que sugiere el texto, la investigación y documentación, el color y la composición, el vestuario, la colaboración con el director, el intérprete y el espectador. Experta en la creación de espacios escénicos en arquitecturas no teatrales (una antigua fortaleza y cárcel en Tesalónica, un cine abandonado en Belgrado, un salón de actos de un viejo colegio en el distrito industrial de Pittsburgh), abo-ga tanto por el recurso a las últimas tecnologías como por la necesidad de un teatro sostenible. ¿Qué es la escenografía? no solo documenta -con ilustraciones- la variadísima experiencia de la autora (de La pasión griega de Martinú a La rosa tatuada de Williams), sino que rinde tributo a sus maestros e inspiradores: Léon Bakst, Caspar Neher, Robert Planchon… Como dijo David Bradby, es «una obra esencial, más si cabe para cualquiera que quiera saber cómo está evolucionando el teatro».

En la obra de Walter Benjamin, fundamental para comprender el siglo, destaca esta breve pero contundente reflexión en torno al objeto artístico y la comunicación de masas. Sostiene aquí el pensador que, con las nuevas posibilidades técnicas para su reproducción, el arte puede transformarse en un poderoso instrumento para la revolución política. Una innovación que, a la vez, hará que la obra pierda su carácter único, el «aura», y abrirá, así, una nueva dimensión para el objeto artístico. Un texto fundamental en torno al arte, la reflexión estética y la filosofía de la imagen. «La reproducción —por más perfecta que resulte— dejará siempre fuera algo: el aquí y el ahora de una obra de arte».

«Toda acción transformadora del mundo se basa en una narración. El storytelling, por el contrario, no conoce más que una sola forma de vida, que es la consumista». Las narraciones crean lazos. De ellas nace lo que nos conecta y vincula. De este modo, fundan comunidades y nos salvan de la contingencia. Sin embargo, hoy, cuando todo se ha vuelto arbitrario y azaroso, el storytelling se ha convertido en un arma comercial que transforma la narración en una herramienta más del capitalismo, propagándose en medio de la desorientación y la falta de sentido característicos de la sociedad de la información. Narración e información son fuerzas opuestas. El espíritu de la narración se pierde entre las informaciones que convierten a los individuos en consumidores, solitarios y aislados, consagrados a instantes, con el objetivo de incrementar su rendimiento y su productividad. Solo la narración es la que nos eleva y nos une a través de una historia común de experiencias transmisibles que hacen significativo el transcurso del tiempo, aportando un poder transformador a la sociedad; es la única que puede congregarnos alrededor del fuego para darnos sentido. Esta crisis narrativa tiene vastos antecedentes, que Byung-Chul Han investiga en este ensayo, y que son una continuidad de sus reflexiones sobre la sociedad de la información.

Un ensayo fascinante y revelador que explica cómo se hacen los grandes exitos que suenan en las radios de todo el mundo: La fábrica de canciones cambiará el modo en que escuchas música En las dos últimas decadas ha nacido un nuevo tipo de canción. Los hits actuales están repletos de hooks, anzuelos musicales diseñados para engancharse a tu oreja cada siete segundos. Sus compositores han dedicado centenares de horas en inventarlos, en lograr que la melodía, el ritmo y la repetición se incrusten en el cerebro humano. Y los han pensado para que la experiencia de escucharlos funcione tanto en la radio o la tele como en centros comerciales o el gimnasio. En un viaje que lo lleva de Nueva York a Los Çngeles y de Estocolmo a Corea, John Seabrook nos cuenta la historia de una industria que de repente, tras un cataclismo, se vio forzada a transformarse; sus productos debían ser, más que nunca, innovadores, competitivos, ambiciosos y sexys. Explorando el terreno que comparten la ciencia y la creatividad, La fábrica de canciones es un libro que cambiará la manera en que escuchas música.

Este "Manual de estilo" permite solucionar las dudas ortográficas, morfológicas y sintácticas que con más frecuencia se plantean al escribir. En las dos primeras partes se han sintetizado los problemas comunes a los signos de puntuación, las letras mayúsculas, las diferentes consonantes y las partes de la oración. Los apéndices que figuran a continuación incluyen los vocablos que hoy se suelen emplear erróneamente, términos latinos, extranjerismos -con los significados que se han impuesto en nuestra lengua-, siglas, abreviaturas y gentilicios, mientras que en las recomendaciones finales se previene contra expresiones tópicas o forzadas de las que muchas veces se abusa. Cierra el volumen un índice exhaustivo que facilita la localización inmediata en el texto de la respuesta a las dudas más habituales. Del mismo autor en esta colección: "El libro de los verbos".

Éste no es un libro de arquitectura. Es cierto que en sus páginas el lector encontrara profusión de enseñanzas sobre el arte de crear edificios, porque el texto nació como un ensayo sobre conceptos arquitectónicos. Pero en la obra maestra de Ruskin hay mucho más. Para el gran esteta inglés, en la arquitectura estaba el principio de las artes, que el resto de bellas artes, como la pintura o la escultura, debían seguir en modo y método. Por eso, al sentar las bases de una nueva forma de entender la arquitectura. Ruskin abrió el camino a una nueva manera de hacer arte.

Con Un idioma sin manchas, Ramón Alemán nos invita a recorrer cien caminos en busca de un español correcto, pero siempre con la certeza de que, en lo que a la lengua se refiere, la corrección es a veces un lugar impreciso o difícil de hallar. La ortografía, la gramática y el léxico de nuestro idioma, que es propiedad de quinientos millones de personas, son los asuntos que se tratan en esta obra, en la que la duda, la tolerancia, el sentido común y el humor son las herramientas que nos permitirán descubrir misterios, caprichos y hasta incongruencias de la lengua española. Para ello, el autor expone sus puntos de vista en un lenguaje sencillo y cercano, pero sin alejarse ni un milímetro del rigor que la materia exige, siempre con la ayuda de los que él denomina guardianes de la lengua, como Manuel Seco, José Martínez de Sousa y la Real Academia Española. El conjunto hará las delicias de todos aquellos que aspiren a conocer mejor nuestro maravilloso idioma.