Artes

Este libro recoge una serie de ensayos de la videoartista y crítica Hito Steyerl, publicados en la revista e-flux, en los que se da forma a una crítica de la creación audiovisual en nuestras sociedades hipermediatizadas. En tanto la mente, las emociones y la creatividad tomaron el lugar del cuerpo como las herramientas claves para la producción de valor, es necesario rastrear qué nuevas formas de alienación han surgido en este contexto y cuál es el destino de la práctica y la imaginación política cuando las utopías y deseos colectivos se han desplazado a las pantallas. En la línea de su principal mentor, Harun Farocki, Steyerl se enfrenta al flujo de imágenes producidas por el capitalismo de la información (en especial a las imágenes-basura arrojadas en las playas de las economías digitales) a partir de un enfoque materialista, abordándolas no como representaciones sino como fragmentos del mundo, que participan de él creándolo, modificándolo y padeciendo sus leyes. Desde esta perspectiva, los formatos de baja resolución (AVI o JPEG) son interpretados como lumpenproletariados en la sociedad de clases de las apariencias, condenados por su resolución subestándar en lugar de valorados por transformar la calidad en accesibilidad; las fallas técnicas y glitches de las imágenes digitales son tratadas como heridas, huellas que testimonian la violenta dislocación que sufren al ingresar en el ciberespacio; y la imagen-spam, como una representación invisible ‒fabricada por máquinas, enviada por bots y capturada por filtros‒ que circula sin ser jamás vista por ningún ojo humano. La obra de Hito Steyerl, parafraseando a Franco “Bifo” Berardi, funciona como una cartografía de la producción mediática en tiempos del semiocapitalismo, que describe con precisión cómo las imágenes son generadas, transportadas y consumidas hoy. Pero también como una cartografía de la sensibilidad emergente a partir de la cual imaginar hacia dónde debemos dirigirnos si queremos descubrir una nueva forma de actividad que ocupe el lugar del arte y la política.

Una exhaustiva recopilación de símbolos, que fueron usados desde los tiempos remotos hasta la Edad Media y que el famoso tipógrafo Rudolf Koch recopiló y organizó. Koch nos propone casi medio millar de monogramas bizantinos, cruces, iniciales sagradas, símbolos masónicos, alquímicos, de los elementos botánicos y astrológicos que vuelve a diseñar para este libro, ahondando en su capacidad para representar ideas complejas a través de formas aparentemente sencillas. La obra de este diseñador y calígrafo alemán es una lectura obligatoria para los estudiantes y profesionales de las Bellas Artes, además de una fuente de inspiración inagotable para creativos de distintos ámbitos.

El Curso de Lingüistica General, publicado originalmente en 1916 a partir de los tres cursos impartidos por Ferdinand de Saussure entre 1907 y 1911 en la Universidad de Ginebra, se puede considerar como el texto fundacional de los estudios lingüísticos modernos.En él se definen por primera vez conceptos clave como sincronía/diacronía, lengua/lenguaje/habla o significado/significante, que están en la base no sólo de las distintas escuelas de Lingüística, sino de buena parte de las ciencias humanas, como la Teoría literaria o los Estudios Visuales. Pues el pensamiento de Saussure representa, junto con el de Freud, uno de los puntos de partida del desarrollo actual de las ciencias.El presente volumen recoge una antología de sus pasajes más significativos, pensada especialmente para el ámbito universitario, tanto para docentes como para estudiantes, que incluye notas de carácter pedagógico, además de un completo estudio introductorio.

Cada poema es un mapa. Y como tal, nos puede ayudar a decidir para dónde queremos ir y también para dónde no. Nadie, o casi nadie, diría que necesita una guía para explorar el mundo de la poesía; hasta que se encuentra con Poemas como mapas. A través de 13 ensayos breves, Tamara acorta la distancia que, sin muchos argumentos, suponemos que existe entre un poema y nosotros. Los poemas seleccionados de Mary Oliver, Lydia Davis, Idea Vilariño, Louise Glück, Sharon Olds, William Carlos Williams, Cristina Peri Rossi, Vicente Luy, Lucille Clifton, Elvira Hernández y Diana Bellessi son coordenadas que nos llevarán a escribir a partir de “consignas invertidas”: consignas que Tamara imagina que podrían dar como resultado un poema parecido al que cada uno de estos autores y autoras escribió. Este cuaderno de apuntes poéticos tiene poemas y reflexiones para observar, callar, encontrar un ritmo, contar un daño, ver en la oscuridad, abandonarse y volver a casa, entre otros. Parece un buen lugar para perdernos en el intento de escribir si recordamos que, escondido entre sus versos, hay todo tipo de mapas.

"Escribir hace bien. Escribir puede darle orden y sentido a nuestra vida. Escribir puede ser un refugio. Y, aún así, a veces no hay nada más difícil que sentarse a hacerlo. Como dijo Liliana Heker “Las ganas de escribir vienen escribiendo”. ""Cosas que te golpean en la ventana incluye"": 110 ejercicios cortos para sostener la práctica de escritura y 20 herramientas claves para mejorar tus textos. Entre los ejercicios creativos hay propuestas como traducir libremente un poema de un idioma que no conocés; escribir una predicción del horóscopo de manera detallada y crear una historia en 6 palabras, como lo hizo Hemingway con su icónico microrrelato “Vendo: zapatos de bebé, nunca usados”. Mientras sigas practicando, siempre habrá cosas que golpeen tu ventana. “Escribir es eso, abrirles los postigos y que entren, un cuaderno detrás de otro”, como dijo Cortázar."

Se trata de un libro de actividades ilustrado para que puedas inspirarte en los artistas y explorar tu creatividad. En este libro vas a encontrar la biografía resumida de quince artistas emblemáticos de todos los tiempos, como lo han sido: Claude Monet, Vincent Van Gogh, Gustav Klimt, Henri Matisse, Pablo Picasso, Georgia O'Keefe, Joan Miró, Salvador Dalí, Frida Kahlo, Jackson Pollock, Andy Warhol, Yayoi Kusama, David Hockney, Marta Minujín y Banksy. Para cada uno de ellos hay: la clave para entender cómo y por qué pintó en su obra, qué lo marcó y cómo desarrolló su estilo propio; un disparador creativo para que crees tu propio remix, sueltes tu mano y dejes volar tu imaginación; un espacio para que materialices el ejercicio y lo intervengas a tu manera.

Todo el dilema es este: o bien la simulación es irreversible y no existe nada más allá de ella, no se trata siquiera de un acontecimiento sino de nuestra banalidad absoluta, de una obscenidad cotidiana... o bien existe de todos modos un arte de la simulación, una cualidad irónica que resucita una y otra vez las apariencias del mundo para destruirlas. De lo contrario, el arte no haría otra cosa, como suele suceder hoy, que encarnizarse sobre su propio cadáver. No hay que sumar lo mismo a lo mismo, y así sucesivamente, en abismo: esto es la simulación pobre. Hay que arrancar lo mismo de lo mismo. Es preciso que cada imagen le quite algo a la realidad del mundo, es preciso que en cada imagen algo desaparezca, pero no se debe ceder a la tentación del aniquilamiento, de la entropía definitiva, es preciso que la desaparición continúe viva: este es el secreto del arte...

Narradores somos todos. En el copioso mundo de los relatos, hay quienes cuentan, quienes escriben y quienes leen o quienes hacen todo eso a la vez. Quienes lo hacen de un modo público, en el ágora o en el aula, y quienes lo hacen solo en la intimidad. Se trata de un acto de magia. Cuando sucede, es consecuencia del esfuerzo para lograr que lo que vemos se vuelva visible para otros. Visible, a veces inquietante, a veces incluso en el límite de lo soportable, porque el relato nos permite recibir hasta lo insoportable”, dice María Teresa Andruetto. ¿Qué significa narrar? ¿Para quién se narra? ¿Cuál es el objetivo de una narración? Desde que existe la escritura, existen estas y muchas otras preguntas que la autora hilvana y desteje a lo largo de este libro. María Teresa Andruetto (Arroyo Cabral, Córdoba, 1954) es narradora, poeta, ensayista y promotora de lectura. Es especialista en literatura infantil y juvenil, y sus reflexiones sobre el estado actual de esta literatura han abonado a favor de su posicionamiento en el campo literario académico. Ha sido reconocida y celebrada con numerosos premios nacionales e internacionales, como el Premio Luis de Tejeda, el Premio Novela del Fondo Nacional de las Artes, el Premio Iberoamericano SM de Literatura Infantil y Juvenil y el Premio Hans Christian Andersen, considerado el más importante en el campo de la literatura infantil y juvenil. El arte de narrar nos lleva con agudeza y sin concesiones a la ficción y sus silencios, a la relación entre la lectura y la escuela, a los repliegues de la lengua, a una genealogía de escritoras, a la literatura como forma de resistencia, en ensayos como peldaños donde hacer pie, como trincheras donde detenerse para repensar la literatura.

Julia Cameron vuelve con nuevas y revolucionarias herramientas para conectar con tu creatividad: un curso extra de seis semanas para todo aquel que haya leído El camino del artista. En el gran bestseller internacional que ha desbloqueado la creatividad de grandes artistas internacionales durante décadas, El camino del artista, Julia Cameron compartió con sus millones de lectores las tres principales herramientas necesarias para despertar la creatividad. Ahora, en su nuevo y revolucionario libro, Vivir el camino del artista, Cameron revela al fin la cuarta y esencial herramienta de El camino del artista en la que confía a diario para encontrar inspiración creativa: encontrar tu propia voz. Este libro es un curso de seis semanas en el que encontrarás las herramientas para desarrollar tu trabajo creativo y llevarlo al siguiente nivel: cómo conectar con el poder intuitivo dentro de ti y confiar en las respuestas que recibas. Esta nueva y emocionante guía te ayudará a encontrar mayor felicidad, productividad e inspiración creativa. ¡El camino del artista ha ayudado a desbloquearse creativamente a grandes artistas como Scorsese, Alicia Keys, Doechii, Natalia Lafourcade o Elizabeth Gilbert!

Entonces, ¿nuestro look funciona como un gran documento histórico? ¡Claro que sí! El fashion es el espejo de los tiempos y eso lo transforma en una fabulosa herramienta de comunicación que de superficial no tiene nada. En Vestite como realmente querés. Manual de estilismo para principiantes, Ferni Moreno, editora de moda y creadora del instamedio fernihood, comparte las herramientas nunca reglas para sacar a relucir tu propia gema fashion, esa que podés pulir para ocupar tus espacios de la mejor manera posible. Para lograrlo propone un proceso de cambio de hábitos de moda para darle un contexto profesional a la construcción de tu imagen, que también te llevará a consumir de manera consciente y apoyará en la gestión de los prejuicios. Dejarnos atropellar por las tendencias no es una opción, por eso crear tu branding personal es la respuesta. ¿Estás lista para presumir de tu belleza cruda?

Utilísimo instrumento de reflexión y trabajo para todos aquellos que buscan incitaciones para escribir. Fruto de largos años de experiencia, este método permite observar el trabajo del taller y de la escritura desde dentro, desarrolla una metodología explícita para escribir y hacer escribir desde distintas perspectivas y ofrece herramientas variadas y productivas para la creación.

Los trucos del actor disecciona meticulosamente la preparación del actor para abordar la escena. Yoshi Oida propone al lector una serie de ejercicios diarios para que armonice con su cuerpo y ofrece valiosas lecciones y formas de enfocar cada etapa del trabajo que el actor debe emprender antes de subir al escenario. Lorna Marshall acompaña al maestro Oida con comentarios para una mejor comprensión del texto, Peter Brook abre el libro que ofrece en la parte final práctico compendio de ejercicios para poder aplicar sus enseñanzas de forma práctica.

Muy pocos profesores de interpretación han logrado desarrollar un metodo detallado que forme actores verdaderamente creativos: Sanford Meisner, fallecido en 1997, fue uno de ellos. Su tecnica toma al artista como materia prima y construye, partiendo de cero, las habilidades que necesita para despuntar en la interpretación. Discípulo y mano derecha de Meisner, William Esper ha transmitido y ampliado su tecnica durante decadas, en las que ha sido maestro de interpretes como John Malkovich, Kim Basinger, William Hurt y Kathy Bates. En Arte y oficio del actor, con la ayuda de Damon DiMarco, uno de sus discípulos, Esper nos sumerge en el aula y nos permite asistir, como un alumno más, a uno de sus fascinantes cursos.

Juegos para actores y no actores es un libro valioso para todas las personas interesadas en la aplicación de técnicas teatrales en todas las actividades humanísticas: psicología y psicoterapia, arte y educación, trabajo social y político.

Que, por que, para quien, cómo escribir; cuándo y cuánto. Chejov no escribió nunca un ensayo ni un esbozo siquiera de teoría literaria, pero en su correspondencia con amigos, editores, otros escritores −como Maksim Gorki− y aspirantes a escritores, abundan las notas y reflexiones, a menudo tan concisas que parecen máximas o aforismos, sobre el quehacer narrativo, su sentido y su alcance. Piero Brunello, profesor de la Universidad de Venecia, ha entresacado de esta correspondencia una selección de pasajes en los que se tratan no sólo aspectos generales del arte de narrar sino tambien cuestiones concretas como la construcción de personajes o la descripción de paisajes y sentimientos. Sin trama y sin final reúne, pues, las claves de la poetica de Chejov, reflejadas en su propia obra y experiencia o en la de los demás (Tolstói, Turgueniev), y constituye un prontuario obligado tanto para los amantes de su literatura como para todos aquellos que han pensado alguna vez en escribir.

Anatomía del guión aborda conceptos y arquetipos extraídos de la filosofía y la mitología para transformarlos en una técnica actualizada para la redacción de guiones con profundidad y eficacia narrativa. Truby basa su desarrollo en el crecimiento emocional y moral de sus protagonistas, y ofrece a lectores –profesionales y aficionados– multitud de herramientas y técnicas específicas para lograr que sus personajes cobren sentido y el público conecte con ellos, además de recursos para construir tramas sorprendentes, siempre con el sello personal del autor.

Escuchar la voz de los personajes es lo que los hace humanos, lo que logra que parezcan vivos. Cualquier fallo en su concepción, ya sea en el fondo o en la forma, ya sea por falta de naturalidad, por exageración o por cualquiera de los muchos ejemplos que señala McKee en este libro puede destrozar la obra por completo. Este libro ayuda al guionista a mejorar la página escrita, y está también pensado para los diálogos que componen los dramaturgos para el teatro, y para todo aquel que trabaje en cine, vídeo o cualquiera de los nuevos formatos que se proyectan hoy en la pantalla. Incluye varios y útiles estudios de casos concretos muy útiles para los lectores tanto aficionados como profesionales.

En el más puro estilo norteamericano, Escribir cine. Guía práctica para guionistas de la famosa escuela de escritores de Nueva York es un libro riguroso, ya que está escrito por profesores cualificados y expertos, y a la vez claro, práctico y muy entretenido. Contiene lecciones sobre los elementos fundamentales del oficio de guionista y profundiza en temas tan cruciales como la descripción, la voz, el tono y el tema; realiza también un análisis a fondo de cinco guiones brillantes, Jungla de Cristal, , Tootsie, Entre copas y Cadena perpetua, y proporciona estrategias para vender el guión y entrar en el mundo del cine. Además en cada capítulo se proponen ejercicios que paso a paso llevan al alumno desde la idea inicial al texto completo de un guión pulido y realizable.

Se reúnen aquí los tres textos que Wassily Kandinsky (1866-1944) escribió para El jinete azul, el almanaque que, junto con Franz Marc y otros artistas expresionistas, publicó en Múnich 1911. Unos textos donde aborda tres puntos cardinales de toda creación artística -la forma, la composición y el color-, pero desde un punto de vista totalmente innovador y liberador: el que lleva a la abstracción-

Un libro clásico del diseño que aplica la psicología de la Gestalt sobre la percepción visual en el ámbito del diseño gráfico. Lectura obligada para cualquier profesional del lenguaje visual En la segunda mitad del siglo XX aparecieron una serie de trabajos que trataban de establecer los principios de una teoría de la composición gráfica a partir de los estudios científicos sobre la percepción visual, y es en ese contexto donde se enmarca esta obra clásica de Donis A. Dondis, una de las propuestas sobre gramática visual pioneras y fundamentales de esta corriente. La sintaxis de la imagen es una aproximación al tema amena y rigurosa que explora aquellos principios y reglas del lenguaje de las imágenes que inciden directamente en la semántica, la retórica y la comunicación visuales. La propuesta teórica de Dondis se acompaña de múltiples ejemplos y referencias que abarcan desde la pintura y la escultura hasta la arquitectura, la publicidad, el cine o la televisión. Más allá del gran interés que ha suscitado entre diseñadores y artistas, este libro —que ha sido totalmente revisado, actualizado y rediseñado para esta nueva edición—constituye un manual básico y fundamental que contribuye a nuestra alfabetización visual. Comprender la cultura actual implica conocer la gramática de las imágenes y la obra de Dondis proporciona las bases necesarias para desarrollar un pensamiento crítico hacia una realidad cada vez más indisociable de lo visual.