Artes

El verano londinense de 1995 fue una locura. Con uñas, dientes, guitarras eléctricas y declaraciones arrogantes, se libraba la batalla del britpop; desde la de Beatles versus Rolling Stones que no se veía una competencia tan feroz como la que protagonizaron Oasis y Blur. Fue memorable: el Reino Unido había recobrado su histórica fortaleza rockera. A treinta años de aquel fenómeno, Sergio Marchi explora en detalle el antes, durante y después de ese momento que hoy resulta fundamental para entender las últimas décadas de la música, poniendo el centro en Oasis, el grupo más importante de los últimos años, cuya carrera se extendió, turbulenta, hasta 2009, cuando el enfrentamiento fratricida de los Gallagher se convirtió en guerra a morir. Vivir para siempre desmenuza, con microscopio y bisturí, no solo la carrera y la música de la banda, sino también la tensa relación entre los dos hermanos. Ahora que se concretó la reconciliación que todo el mundo quería ver -con una gira internacional que agotó las entradas en un suspiro y que los trae nuevamente a Buenos Aires-, uno de los mayores atractivos es el reanudado vínculo entre Noel (el compositor inteligente, rápido y cerebral) y Liam (la voz de oro, el frontman carismático, el bravucón profesional) y la incertidumbre acerca de si podrán mantener la paz entre ellos. Aunque las protagonistas del show siguen siendo las canciones: himnos como "Wonderwall", "Live Forever", "Don't Look Back in Anger" o "Stand by Me", que trascendieron fronteras, generaciones y lenguajes. En estas páginas se intenta dar respuesta a todas las preguntas que, tres décadas después de aquellos veranos mágicos, rodean a una banda creada lejos de los laboratorios de marketing, forjada en plena calle. Explicar su éxito enloquecedor y su enorme influencia, aún palpable, examinando de cerca su compleja configuración familiar; su inglesitud a cara descubierta y su pertenencia a Manchester. Vivir para siempre es la historia de Oasis

Atrapa el pez dorado es un ensayo sobre el origen de las ideas y la creatividad que el cineasta americano aplica a su universo personal. El punto de partida del libro es la meditación, algo que le apasiona desde hace años y cuya práctica ha marcado su proceso creativo. Es, también, un compendio de pensamientos que busca fomentar la creatividad y en el que David Lynch aboga por dejar trabajar a la intuición, a la vez que va revelando, de forma ágil y amena, detalles sobre su carrera, sus películas, Hollywood, etc. Música, pintura, películas. Lynch enlaza temas y lanza ideas. Esas ideas que, según él, son como peces persiguiendo el cebo del deseo.

Este libro recoge una serie de ensayos de la videoartista y crítica Hito Steyerl, publicados en la revista e-flux, en los que se da forma a una crítica de la creación audiovisual en nuestras sociedades hipermediatizadas. En tanto la mente, las emociones y la creatividad tomaron el lugar del cuerpo como las herramientas claves para la producción de valor, es necesario rastrear qué nuevas formas de alienación han surgido en este contexto y cuál es el destino de la práctica y la imaginación política cuando las utopías y deseos colectivos se han desplazado a las pantallas. En la línea de su principal mentor, Harun Farocki, Steyerl se enfrenta al flujo de imágenes producidas por el capitalismo de la información (en especial a las imágenes-basura arrojadas en las playas de las economías digitales) a partir de un enfoque materialista, abordándolas no como representaciones sino como fragmentos del mundo, que participan de él creándolo, modificándolo y padeciendo sus leyes. Desde esta perspectiva, los formatos de baja resolución (AVI o JPEG) son interpretados como lumpenproletariados en la sociedad de clases de las apariencias, condenados por su resolución subestándar en lugar de valorados por transformar la calidad en accesibilidad; las fallas técnicas y glitches de las imágenes digitales son tratadas como heridas, huellas que testimonian la violenta dislocación que sufren al ingresar en el ciberespacio; y la imagen-spam, como una representación invisible ‒fabricada por máquinas, enviada por bots y capturada por filtros‒ que circula sin ser jamás vista por ningún ojo humano. La obra de Hito Steyerl, parafraseando a Franco “Bifo” Berardi, funciona como una cartografía de la producción mediática en tiempos del semiocapitalismo, que describe con precisión cómo las imágenes son generadas, transportadas y consumidas hoy. Pero también como una cartografía de la sensibilidad emergente a partir de la cual imaginar hacia dónde debemos dirigirnos si queremos descubrir una nueva forma de actividad que ocupe el lugar del arte y la política.

Una exhaustiva recopilación de símbolos, que fueron usados desde los tiempos remotos hasta la Edad Media y que el famoso tipógrafo Rudolf Koch recopiló y organizó. Koch nos propone casi medio millar de monogramas bizantinos, cruces, iniciales sagradas, símbolos masónicos, alquímicos, de los elementos botánicos y astrológicos que vuelve a diseñar para este libro, ahondando en su capacidad para representar ideas complejas a través de formas aparentemente sencillas. La obra de este diseñador y calígrafo alemán es una lectura obligatoria para los estudiantes y profesionales de las Bellas Artes, además de una fuente de inspiración inagotable para creativos de distintos ámbitos.

El Curso de Lingüistica General, publicado originalmente en 1916 a partir de los tres cursos impartidos por Ferdinand de Saussure entre 1907 y 1911 en la Universidad de Ginebra, se puede considerar como el texto fundacional de los estudios lingüísticos modernos.En él se definen por primera vez conceptos clave como sincronía/diacronía, lengua/lenguaje/habla o significado/significante, que están en la base no sólo de las distintas escuelas de Lingüística, sino de buena parte de las ciencias humanas, como la Teoría literaria o los Estudios Visuales. Pues el pensamiento de Saussure representa, junto con el de Freud, uno de los puntos de partida del desarrollo actual de las ciencias.El presente volumen recoge una antología de sus pasajes más significativos, pensada especialmente para el ámbito universitario, tanto para docentes como para estudiantes, que incluye notas de carácter pedagógico, además de un completo estudio introductorio.

«Canción llevame lejos no solo es una exploración, con tono confesional, por los abigarrados estantes del canon musical de Mauro Libertella; es, sobre todo, el rescate de un universo tan inolvidable como irrepetible, aquel en el que la condición de fan guardaba una deliciosa liturgia individual que convivía con la certeza de que se era parte de un colectivo anónimo y sagrado: Cada una de las descripciones hechas por Mauro retrata una cancion y, a la vez, se erige como un efímero acto reivindicativo del fuego que ilumina su aventura». —Pablo Perantuono La práctica del compilado o el mixtape fue furor hasta finales del siglo xx, cuando el mp3 terminó de desmaterializar a la música. Se trataba de elegir un puñado de canciones y darles un orden en un cassette o un CD para luego regalarlo a un amigo, a una pareja, a una conquista. El montaje de esa ofrenda musical era una tarea que había que ejecutar con amor y responsabilidad. En Canción llevame lejos, Mauro Libertella tomó la estructura del compilado de canciones y lo convirtió en un libro. Son doce capítulos distribuidos en dos lados; de los Rolling Stones a Charly García, de Oasis a la Velvet Underground, pasando por Nick Cave y Franco Battiato. ¿Ensayos sobre rock y pop? ¿Relatos autobiográficos? ¿Vindicaciones musicales? En todo caso, este libro es un testimonio sobre cómo algunas canciones nos acompañan de manera misteriosa. Se enredan con la vida hasta volverse inseparables y son el soundtrack del paso del tiempo.

Se trata de un libro de actividades ilustrado para que puedas inspirarte en los artistas y explorar tu creatividad. En este libro vas a encontrar la biografía resumida de quince artistas emblemáticos de todos los tiempos, como lo han sido: Claude Monet, Vincent Van Gogh, Gustav Klimt, Henri Matisse, Pablo Picasso, Georgia O'Keefe, Joan Miró, Salvador Dalí, Frida Kahlo, Jackson Pollock, Andy Warhol, Yayoi Kusama, David Hockney, Marta Minujín y Banksy. Para cada uno de ellos hay: la clave para entender cómo y por qué pintó en su obra, qué lo marcó y cómo desarrolló su estilo propio; un disparador creativo para que crees tu propio remix, sueltes tu mano y dejes volar tu imaginación; un espacio para que materialices el ejercicio y lo intervengas a tu manera.

Todo el dilema es este: o bien la simulación es irreversible y no existe nada más allá de ella, no se trata siquiera de un acontecimiento sino de nuestra banalidad absoluta, de una obscenidad cotidiana... o bien existe de todos modos un arte de la simulación, una cualidad irónica que resucita una y otra vez las apariencias del mundo para destruirlas. De lo contrario, el arte no haría otra cosa, como suele suceder hoy, que encarnizarse sobre su propio cadáver. No hay que sumar lo mismo a lo mismo, y así sucesivamente, en abismo: esto es la simulación pobre. Hay que arrancar lo mismo de lo mismo. Es preciso que cada imagen le quite algo a la realidad del mundo, es preciso que en cada imagen algo desaparezca, pero no se debe ceder a la tentación del aniquilamiento, de la entropía definitiva, es preciso que la desaparición continúe viva: este es el secreto del arte...

«Si el tema del libro es el destino del arte en el siglo XIX, ese destino sólo tiene algo que decirnos porque está contenido en el tictac de un reloj cuya hora ha sonado por primera vez sólo para nuestros oídos. Quiero decir con ello que la hora fatal del arte ha sonado para nosotros, y he fijado su marca en una serie de reflexiones pasajeras que llevan el siguiente título: “La obra de arte en la época de su reproducción mecánica”. Esas reflexiones tratan de dar una forma verdaderamente actual a los problemas de la teoría estética, y ello, desde adentro, evitando toda relación no mediatizada con la política».Desmembrada por los dos polos de una dialectización «fallida» entre dos dialécticas (la de la obra de arte autónoma, la del arte consumible), es evidente, sin embargo, que la problemática del artículo se abre al debate contemporáneo, que ha reformulado bajo otra luz esa comprobación de una discrepancia.

Narradores somos todos. En el copioso mundo de los relatos, hay quienes cuentan, quienes escriben y quienes leen o quienes hacen todo eso a la vez. Quienes lo hacen de un modo público, en el ágora o en el aula, y quienes lo hacen solo en la intimidad. Se trata de un acto de magia. Cuando sucede, es consecuencia del esfuerzo para lograr que lo que vemos se vuelva visible para otros. Visible, a veces inquietante, a veces incluso en el límite de lo soportable, porque el relato nos permite recibir hasta lo insoportable”, dice María Teresa Andruetto. ¿Qué significa narrar? ¿Para quién se narra? ¿Cuál es el objetivo de una narración? Desde que existe la escritura, existen estas y muchas otras preguntas que la autora hilvana y desteje a lo largo de este libro. María Teresa Andruetto (Arroyo Cabral, Córdoba, 1954) es narradora, poeta, ensayista y promotora de lectura. Es especialista en literatura infantil y juvenil, y sus reflexiones sobre el estado actual de esta literatura han abonado a favor de su posicionamiento en el campo literario académico. Ha sido reconocida y celebrada con numerosos premios nacionales e internacionales, como el Premio Luis de Tejeda, el Premio Novela del Fondo Nacional de las Artes, el Premio Iberoamericano SM de Literatura Infantil y Juvenil y el Premio Hans Christian Andersen, considerado el más importante en el campo de la literatura infantil y juvenil. El arte de narrar nos lleva con agudeza y sin concesiones a la ficción y sus silencios, a la relación entre la lectura y la escuela, a los repliegues de la lengua, a una genealogía de escritoras, a la literatura como forma de resistencia, en ensayos como peldaños donde hacer pie, como trincheras donde detenerse para repensar la literatura.

Julia Cameron vuelve con nuevas y revolucionarias herramientas para conectar con tu creatividad: un curso extra de seis semanas para todo aquel que haya leído El camino del artista. En el gran bestseller internacional que ha desbloqueado la creatividad de grandes artistas internacionales durante décadas, El camino del artista, Julia Cameron compartió con sus millones de lectores las tres principales herramientas necesarias para despertar la creatividad. Ahora, en su nuevo y revolucionario libro, Vivir el camino del artista, Cameron revela al fin la cuarta y esencial herramienta de El camino del artista en la que confía a diario para encontrar inspiración creativa: encontrar tu propia voz. Este libro es un curso de seis semanas en el que encontrarás las herramientas para desarrollar tu trabajo creativo y llevarlo al siguiente nivel: cómo conectar con el poder intuitivo dentro de ti y confiar en las respuestas que recibas. Esta nueva y emocionante guía te ayudará a encontrar mayor felicidad, productividad e inspiración creativa. ¡El camino del artista ha ayudado a desbloquearse creativamente a grandes artistas como Scorsese, Alicia Keys, Doechii, Natalia Lafourcade o Elizabeth Gilbert!

Entonces, ¿nuestro look funciona como un gran documento histórico? ¡Claro que sí! El fashion es el espejo de los tiempos y eso lo transforma en una fabulosa herramienta de comunicación que de superficial no tiene nada. En Vestite como realmente querés. Manual de estilismo para principiantes, Ferni Moreno, editora de moda y creadora del instamedio fernihood, comparte las herramientas nunca reglas para sacar a relucir tu propia gema fashion, esa que podés pulir para ocupar tus espacios de la mejor manera posible. Para lograrlo propone un proceso de cambio de hábitos de moda para darle un contexto profesional a la construcción de tu imagen, que también te llevará a consumir de manera consciente y apoyará en la gestión de los prejuicios. Dejarnos atropellar por las tendencias no es una opción, por eso crear tu branding personal es la respuesta. ¿Estás lista para presumir de tu belleza cruda?

Utilísimo instrumento de reflexión y trabajo para todos aquellos que buscan incitaciones para escribir. Fruto de largos años de experiencia, este método permite observar el trabajo del taller y de la escritura desde dentro, desarrolla una metodología explícita para escribir y hacer escribir desde distintas perspectivas y ofrece herramientas variadas y productivas para la creación.

Los trucos del actor disecciona meticulosamente la preparación del actor para abordar la escena. Yoshi Oida propone al lector una serie de ejercicios diarios para que armonice con su cuerpo y ofrece valiosas lecciones y formas de enfocar cada etapa del trabajo que el actor debe emprender antes de subir al escenario. Lorna Marshall acompaña al maestro Oida con comentarios para una mejor comprensión del texto, Peter Brook abre el libro que ofrece en la parte final práctico compendio de ejercicios para poder aplicar sus enseñanzas de forma práctica.

Muy pocos profesores de interpretación han logrado desarrollar un metodo detallado que forme actores verdaderamente creativos: Sanford Meisner, fallecido en 1997, fue uno de ellos. Su tecnica toma al artista como materia prima y construye, partiendo de cero, las habilidades que necesita para despuntar en la interpretación. Discípulo y mano derecha de Meisner, William Esper ha transmitido y ampliado su tecnica durante decadas, en las que ha sido maestro de interpretes como John Malkovich, Kim Basinger, William Hurt y Kathy Bates. En Arte y oficio del actor, con la ayuda de Damon DiMarco, uno de sus discípulos, Esper nos sumerge en el aula y nos permite asistir, como un alumno más, a uno de sus fascinantes cursos.

Juegos para actores y no actores es un libro valioso para todas las personas interesadas en la aplicación de técnicas teatrales en todas las actividades humanísticas: psicología y psicoterapia, arte y educación, trabajo social y político.

Que, por que, para quien, cómo escribir; cuándo y cuánto. Chejov no escribió nunca un ensayo ni un esbozo siquiera de teoría literaria, pero en su correspondencia con amigos, editores, otros escritores −como Maksim Gorki− y aspirantes a escritores, abundan las notas y reflexiones, a menudo tan concisas que parecen máximas o aforismos, sobre el quehacer narrativo, su sentido y su alcance. Piero Brunello, profesor de la Universidad de Venecia, ha entresacado de esta correspondencia una selección de pasajes en los que se tratan no sólo aspectos generales del arte de narrar sino tambien cuestiones concretas como la construcción de personajes o la descripción de paisajes y sentimientos. Sin trama y sin final reúne, pues, las claves de la poetica de Chejov, reflejadas en su propia obra y experiencia o en la de los demás (Tolstói, Turgueniev), y constituye un prontuario obligado tanto para los amantes de su literatura como para todos aquellos que han pensado alguna vez en escribir.

Anatomía del guión aborda conceptos y arquetipos extraídos de la filosofía y la mitología para transformarlos en una técnica actualizada para la redacción de guiones con profundidad y eficacia narrativa. Truby basa su desarrollo en el crecimiento emocional y moral de sus protagonistas, y ofrece a lectores –profesionales y aficionados– multitud de herramientas y técnicas específicas para lograr que sus personajes cobren sentido y el público conecte con ellos, además de recursos para construir tramas sorprendentes, siempre con el sello personal del autor.

En el más puro estilo norteamericano, Escribir cine. Guía práctica para guionistas de la famosa escuela de escritores de Nueva York es un libro riguroso, ya que está escrito por profesores cualificados y expertos, y a la vez claro, práctico y muy entretenido. Contiene lecciones sobre los elementos fundamentales del oficio de guionista y profundiza en temas tan cruciales como la descripción, la voz, el tono y el tema; realiza también un análisis a fondo de cinco guiones brillantes, Jungla de Cristal, , Tootsie, Entre copas y Cadena perpetua, y proporciona estrategias para vender el guión y entrar en el mundo del cine. Además en cada capítulo se proponen ejercicios que paso a paso llevan al alumno desde la idea inicial al texto completo de un guión pulido y realizable.

Se reúnen aquí los tres textos que Wassily Kandinsky (1866-1944) escribió para El jinete azul, el almanaque que, junto con Franz Marc y otros artistas expresionistas, publicó en Múnich 1911. Unos textos donde aborda tres puntos cardinales de toda creación artística -la forma, la composición y el color-, pero desde un punto de vista totalmente innovador y liberador: el que lleva a la abstracción-